Exposición “Ritmo Doble” de Omar Rodríguez - Graham en la Galería Max Estrella

Del 23.11.2023 al 03.02.2024

Max Estrella tiene el placer de presentar la obra más reciente de Omar Rodríguez Graham (Méjico, 1978). Bajo el título Ritmo Doble, esta es la primera muestra individual del artista en España. La obra de Omar Rodríguez-Graham es el resultado de una exploración continua para encontrar el punto de encuentro entre lo reconocible y lo abstracto. Sus pinturas parten de una constante investigación en los terrenos del color, la textura y el tiempo.

Para crear estas piezas, el artista toma como punto de partida reconocibles pinturas figurativas del Renacimiento o Barroco cuya imagen deconstruye digitalmente hasta obtener una composición abstracta casi irreconocible. Estos bocetos digitales se traducen después en pinturas reales de gran formato. Siguiendo el calculado enfoque de los pintores del Renacimiento, Rodríguez-Graham asigna metódicamente diferentes colores, texturas y técnicas a áreas específicas, construyendo lentamente cada plano. Las bandas de colores determinan parcialmente los bordes de la pintura, que se despliega hacia la periferia y el exterior del lienzo como fragmentos o flechas. Al no restringir la pintura a un rectángulo o círculo, permite que los colores, texturas y formas en el interior determinen sus márgenes. El resultado es una composición dinámica que permite que las piezas funcionen también como esculturas murales. A medida que construye la pintura, Rodríguez-Graham da la bienvenida a momentos de improvisación, experimentando con diferentes formas de aplicar la pintura al óleo en cada parte de la imagen. Esta es su forma de comprimir y abordar varios momentos de la historia del arte.

Al transformar la pintura figurativa en abstracción, Rodríguez-Graham conserva diversas referencias de las fuentes de la imagen. Luego las superpone entre sí, como capas semitransparentes, dando lugar a campos superpuestos que nos recuerdan a los primeros fotomontajes y a las pinturas cubistas que experimentaban con capturar el movimiento o un objeto mostrado desde diferentes perspectivas al mismo tiempo dentro de una imagen estática. El tiempo de concepción, el tiempo de construcción y el tiempo de percepción se consideran en su enfoque metódico. En otras palabras, esta es su forma de comprimir el tiempo y capturar el proceso de creación de imágenes con el mismo gesto.

En palabras del propio artista:

‘Mi trabajo se basa en los conceptos de la pintura propuestos por muralistas como Uccello, Siqueiros y Matta, con la esperanza de imponer una experiencia ineludible de la pintura en el espectador. Intenta generar un encuentro que, aunque nace de la visualidad de las obras, produce una experiencia que trasciende lo inmediatamente perceptible y existe simultáneamente en la imaginación del espectador. Acepta que experimentar una pintura no es simplemente el acto pasivo de recibir estímulos visuales, sino más bien, como lo describiría Lacan, una colisión de la mirada del espectador, con todos sus deseos e historias, con la proyección de la imagen visible. Una experiencia total de la pintura que se extiende infinitamente en nuestra imaginación, similar a lo que Uccello pretendía con sus murales; igualmente ilusoria y real.

Al desmontar las tradiciones históricas de la pintura (técnicas, conceptos y métodos) y apropiármelas consecuentemente, mis pinturas las reestructuran en nuevas obras expansivas. Exploran las posibilidades de construir una experiencia total de la pintura, asumiendo la tradición completa de la pintura. Incorporan diferentes momentos de ese arco histórico, no solo en la composición de las obras, sino también mediante el uso de diferentes toques, gestos y texturas, como citas a momentos históricos distintos. Funcionan como pinturas meta-históricas que intentan entrelazarse con la narrativa histórica de la pintura al muestrear de varios momentos simultáneamente. Son gestos que se proyectan en el espacio concreto del espectador y más allá en su imaginación, evidenciando la amplitud de la pintura, no solo dentro del ámbito visual, sino también simultáneamente dentro de lo histórico e imaginario, tanto en esferas personales como públicas, como un encuentro conceptual que considera cómo se puede construir una experiencia total de la pintura; una pregunta que es intrínseca a la pintura misma.’

Omar Rodríguez-Graham (1978, México) vive y trabaja en la Ciudad de México. Su obra se ha exhibido tanto de manera individual como colectiva en México, Estados Unidos, Europa y América del Sur. Entre sus exposiciones individuales recientes se encuentran: Primer Ensayo, Arróniz Arte Contemporaneo (México, 2022), Rodriguez-Graham, Marc Straus (EE. UU., 2020), Tête-à-Têtes, Drew University (EE. UU., 2017), Omar Rodriguez-Graham, Marc Straus (EE. UU., 2017), Painting After, Arróniz Arte Contemporáneo (México, 2017), El Manto, Galleria MACCA (Italia, 2016). Su obra ha sido incluida en exposiciones de museos como El Hombre al Desnudo en el Museo Nacional de Arte (México, 2014), la 15ª Bienal de Pintura Rufino Tamayo en el Museo Tamayo (México, 2012) y Bella y Terca en el Museo de Arte Moderno (México, 2010), entre otras. Su obra se encuentra en colecciones privadas y públicas en Brasil, Colombia, Alemania, México, Perú, Singapur, Estados Unidos y Venezuela, entre las que se incluyen La Colección Jumex, México, el Museo de Arte Moderno, México, Sayago & Pardon, EE. UU., Jorge Pérez, EE. UU., Fondazione MACC, Italia, Sigg Foundation, Suiza, Fidelity Investments Art Collections, EE. UU., Arcadia Art Foundation, Reino Unido.nSus próximos proyectos incluyen una exposición individual en la Sala de Arte Público Siqueiros en México (2023) y una exposición individual en la Fondazione MACC en Italia.

Fuentes imágenes y textos 👉 Galería Max Estrella