viernes, 20 de octubre de 2017

Hilma con H



Hilma af Klint (26 de octubre de 1862 - 21 de octubre de 1944) no fue sólo una artista de su época, fue una artista de la nuestra ya que tuvo la capacidad visionaria de proyectarse al futuro y lo hizo como sólo una mujer segura de sí misma en medio de un mundo de hombres lo podía hacer, dejando a un lado su EGO personal.
Hilma nació y estudió en Suecia, en la Real Academia Sueca de las Artes, estuvo muy influenciada por la antroposofía a la que llegó a través de su principal impulsor Rudolph Steiner. Sus obras reflejarán esta relación, que se convirtió para ella en una manera de vivir y de entender la vida. La antroposofía aplica la filosofía al ser humano y relaciona estados de ánimo, donde el espíritu tiene un papel fundamental. Rudolph Steiner y sus teorías influirían unos años después a Kandinsky pero Hilma ya había dado un paso al frente.
Se adelantó a los padres de la abstracción Malevitch o Kandinsky dando lugar a un arte que daba la espalda a la realidad visible, que procuraba conectar con un mundo metafísico, otro plano intangible, elevado.
Su producción artística se inició con un lenguaje figurativo naturalista. Poco a poco lo abandona para acercarse cada vez más a una preciosísima abstracción que no es más que el ansia de explorar otros mundos, otras dimensiones paralelas a la nuestra pero que para Hilma nos conforman como seres humanos.
Sus obras son monumentales, su fin es plasmar la dualidad y en palabras de la propia artista lo que pretende es alcanzar “la imagen primigenia”, con ese fin utiliza un sutil simbolismo que trata de acercar al espectador hacia la comprensión de uno de los mayores anhelos humanos: la transcendencia.

Médium en sesiones espiritistas, firme creyente que llegó a asegurar que parte de sus obras eran dictadas desde el más allá por sus guías espirituales. Junto con lo que se conocía en los ambientes místicos como el grupo de las cinco, ella y cuatro mujeres más practicaban el espiritismo y la escritura automática, convencidas de que eran los espíritus los que le indicaban el camino a seguir.
Hilma tuvo claro que su producción, más de 1000 obras y cuadernos con anotaciones, que son una auténtica delicia, no podía ser entendida en su época. Cedió su legado a su sobrino y dejo dicho en su testamento que su obra abstracta no podría ser expuesta hasta 20 años después de su muerte.
Los herederos no sabían qué hacer con una producción tan ingente, y en varias ocasiones intentaron sin éxito que alguien se diera cuenta del valor de la obra de Hilma.
Ella misma en vida estuvo a punto de destruir su obra, y después de su muerte, ya en los años 70, el propio Moderna Museet de Estocolmo rechazó la obra. Por suerte rectificar es de sabio y el propio Museo de Estocolmo lanzó en 2013 la primera retrospectiva de la pionera de la abstracción, la mujer visionaria que supo entender a su época y a las que llegarían.

miércoles, 7 de diciembre de 2016

De dónde vienen los UNICORNIOS


Hasta el día 19 de febrero en el Caixa Forum de Palma se podrá visitar la exposición "Ming. El Imperio Dorado" La exposición recoge una serie de piezas,  procedentes de la ciudad prohibida. 
La recopilación es variada, jarrones, incensarios, platos y hasta un trozo de voladizo del tejado de la ciudad prohibida.

Incensario de cobre esmaltado y 
dorado en forma de ding
Reinado Jingtai, 1449-1457. 
© Nanjing Museum
Los colores, las formas, nada es gratuito todo se corresponde con un significado, por ejemplo el color amarillo símbolo del poder imperial.
En la primera planta podremos disfrutar de una muestra de pintura de la época Ming, muy interesante, al igual que los plafones donde se explican aspectos de la estética asiática que nos acercan mucho más a la producción de este arte. 
Esta obra se considera equivalente a la Gioconda de Leonardo da Vinci
La dinastía Ming estuvo en el poder hasta mediados del s.XVII y algunas de estas pinturas coinciden en el tiempo con el Renacimiento europeo, pero los conceptos que mueven a los artistas son diferentes. 

Wen Zhengming. Escena en la niebla. 
Mediados del período Ming. 
© Nanjing Museum
Los artistas en China eran letrados, altos funcionarios que dedicaban parte de su vida a alcanzar las tres perfecciones: poesía, caligrafía y pintura. La obras no se compraban, ni se vendían, se usaban para disfrutar de su contemplación y cuando pasaban de una mano a la otra se señalaba con el sello del que la recibía.  Uno de los pintores principales de este periodo fue Wen Zhenming (1470-1559)

Wuyi (Nanjing) al anochecer, bordado de la familia Gu
finales del siglo XVI - principios del siglo XVII. © Nanjing Museum
Las obras se empezaron a vender, cuando las clases comerciantes, queriendo asemejarse a esta especie de aristocracia, quieren acceder a uno de sus entretenimientos:  la contemplación de las obras de arte. Se pone de moda sustituir la pintura por bordados pero con una maestría excelente, tanto que se hace difícil distinguir el trazo de pintura de la puntada de bordado.

Mapa del sinfín de países del mundo. Versión dibujada a mano del mapa impreso confeccionado por Matteo Ricci en 1602. Reinado Wanli , 1572-1620. . © Nanjing Museum
Otra  de las piezas que ha llamado mi atención se encuentra al final de la exposición, se trata de "Kunyu Wanguo Quantu", el mapa de los numerosos países del mundo. Este mapa es una de las 25 copias que se realizaron del original creado en el año 1601 por el jesuita Mateo Ricci. 
Instrumento astrológico para mostrar el movimiento
de la Luna alrededor de la Tierra.
Ricci llega a China para expandir el cristianismo y queda impresionado por la cultura del país, aprende chino y se empieza a interesar por sus costumbres. Como otros eruditos de la época, Ricci estaba especialmente interesado en la cartografía, a través de este interés inicia una relación con funcionarios chinos y establece contacto con el emperador. 
Describe al avestruz como o-ma,
cuenta que tiene alas pero no puede volar
y pies que le permiten correr tan rápido como un caballo
En los incios del siglo XVII Mateo Ricci es uno de los asesores del emperador Wanli. 
El mapa está lleno de curiosidades, muestra los cinco continentes del mundo y más de 850 topónimos. Contiene descripciones de los grupos étnicos y de otras curiosidades como los animales que los habitan. En los márgenes fuera de la elipse, hay imágenes de los hemisferios norte y sur, el aristotélico geocéntrico del sistema mundial, y las órbitas del Sol y la Luna. 
Jirafa, también descrita como unicornio
Una de las imágenes que recogía el mapa era la de una jirafa, lo curioso es que la descripción del animal lo denomina y lo describe como un unicornio, quien sabe tal vez a partir de ese momento empezaron a existir los unicornios.

domingo, 13 de noviembre de 2016

CERCA TROVA

Estudio para el fresco de Anghiari, copia de la obra perdida de Leonardo atribuida a Pedro Pablo Rubens.

En 1504, en diciembre, Leonardo de Vinci empieza a trabajar en el Salón de los Quinientos del Palacio Vechio en el fresco de la batalla de Anghiari. La obra hacía referencia a la batalla ocurrida en Anghiari entre Milaneses y florentinos, pero su fama se debe a la obra que la representa y al misterio que la envuelve. 
En su ejecución Leonardo contó con la ayuda de
Leonardo da Vinci Francesco Melzi
un pintor al que los documentos llaman "Ferrando Spagnuolo, dipintore" que pudo ser Fernando Yáñez de la Alameda o quizá Fernando Llanos. 
De todas las obras de Leonardo ésta es la que cuenta con una mayor documentación, lo único que falta es la propia obra. El fresco no se finalizó, aunque sí se realizó una gran parte.
En el año 1560 se pinta sobre las paredes del Salón de los Quinientos un ciclo, lo lleva a cabo Vasari, que era un devoto admirador de Leonardo y de su producción pictórica, cuesta creer que Vasari pintara sobre un fresco de Leonardo que se encontrará en buen estado.
Dibujo preparatorio para las cabezas de dos soldados 1503-1504
Existen diversas descripciones que expresan la grandiosidad y belleza de la obra de Leonardo, por tanto resulta extraño que se planteara un proyecto para cubrirlo.
Sabemos por diferentes indicios que el fresco empezó a dar problemas poco después de que se iniciará su ejecución, lo más probable es que el aceite estuviera adulterado y eso provocara problemas, tal vez ese fue el motivo de que se dejara sin terminar, esperando encontrar una solución, la cuestión es que hoy en día no sabemos en que pared se encuentra.
Fresco de Vasari para Sala de los Quinientos. 1560
En el año 1974, un norteamericano H. Travers Newton exploró los muros con una   máquina de Thermovisión, aparato que permite elaborar un "mapa térmico" de los materiales que se encuentran bajo una superficie, fue entonces cuando en el muro occidental apareció lo que Newton definió como "una capa anómala", justo debajo del fresco de Vasari. Estos datos se confirmaron con ultrasonidos que permitían obtener información de 10 cm de profundidad. La capa anómala quedó determinada como una superficie de 22 metros de ancho por 4 metros de alto; a continuación se hizo una cata que confirmó que bajo la capa habitual preparatoria del fresco de Vasari, aparecían restos de un dibujo realizado con unos pigmentos propios de Leonardo. Los análisis de uno de ellos confirmaban que era la misma preparación que  el propio Leonardo describe en su "Trattato", también hay restos de azurita, un material que nos hace pensar que no se trataba de un fresco convencional.
Detalle del fresco de Vasari
¿Vasari pintó su fresco sobre el de Leonardo? Por ahora nadie ha dado el paso al frente, nadie se ha atrevido a ir más allá en la búsqueda del fresco de Leonardo. A fin de cuentas se trata de un fresco de Vasari, lo curioso es que el propio Vasari dejó escrito en un lugar visible del fresco que pintó "CERCA TROVA", busca y encontrarás.
En el año 2012 fue confirmada la existencia de una cámara interior de aire de dos centímetros entre el mural de Vasari y la pared posterior. Muestras tomadas de la pintura apuntan al mismo tipo que la  empleada en el taller de Leonardo.

jueves, 10 de noviembre de 2016

Grabado actual en MALLORCA: pasado y futuro



Ayer 9 de noviembre se inauguró en el Centro de Cultura y Historia Militar de Baleares una exposición en torno al grabado, una veintena de artistas exponen su obra hasta finales del mes de noviembre.

Imágenes de la exposición
La exposición está comisariada por uno de los artistas participantes Carlos Danús y vale realmente la pena, tanto por la obra como por el enfoque didáctico, ya que se acompaña de unos paneles explicativos que ayudan a comprender mucho mejor la obra y la diversidad de técnicas en el extenso mundo del grabado.
Imágenes de la exposición Carlos Danús
Es interesante también el tratamiento de la exposición, en cuanto, tal como explicó el artista Julio León, el grabado ha pasado de ser una técnica de uso a un arte en si mismo, es decir ahora no es un recurso si no que el artista lo utiliza consciente de lo que transmite, la obra nace pensada para ser grabada.
Es interesante ver como las técnicas reproductivas en el mundo del arte han cambiado en los últimos tiempos, el grabado y la fotografía han adquirido entidad por si mismas e incluso las útimas tendencias intentan devolver la individualidad a la obra reproducida interviniendo en la obra acabada,  de manera manual, conviertiéndola en un objeto casi de fabricación artesana y por supuesto irrepetible.
Imágenes de la exposición "Ciudad Imaginada"

En relación a la exposición daré una conferencia sobre el grabado y las imágenes de ciudades entre los siglos XV al XVII, es muy interesante ver como en el Renacimiento se fusionan los tratados sobre cómo debía ser la ciudad ideal, con los artistas que se prestan a retratar una ciudad imposible, donde destacan elementos que la hacen reconocible, si unimos la imprenta la difusión de las ideas está garantizada, y sin duda, si hablamos de imprenta, el grabado juega un papel fundamental.
Venecia 1500. Jacopo Barbari

La cosa se vuelve más interesante cuando ya entrando en el siglo XVII empieza a surgir un interés por la veracidad de la representación de la ciudad y es donde la nobleza, primero italiana, y luego del resto de Europa, en su afán por seguir las tendencias encarga obra para decorar su palacios y para deleitarse en su contemplación privada.
Los artistas responden a la demanda y las obras se vuelven técnicas pero también bellas, el ingeniero militar y el artista se fusionan en una sola persona o en una colaboración conjunta.

domingo, 31 de julio de 2016

Fruto del AMOR

El Caixa Forum de Palma acaba de inaugurar una exposición que merece una visita. Mujeres de Roma supone un recorrido por las diferentes vidas de nuestras antepasadas. 
Peluquera peinando a su dama
La exposición se ha dividido en las diferentes facetas de la vida de una mujer en la Antigüedad Clásica, se tratan los aspectos cotidianos y también los divinos que en la sociedad romana formaban un todo. La exposición cuenta con piezas traidas del Louvre y por tanto es una estupenda ocasión para poder acceder a piezas sin salir de casa. 
Cónyuges en decoración de fuente. Termas de Baccucco.  Año 220.
Son muchas las piezas interesantes de la exposición pero hoy me detendré en una de las que a mi me ha resultado más peculiar, por dos razones: su cotidianidad y su atrevimiento, una combinación que siempre gustó en Roma y a los romanos.
Una vez recorrida la exposición llegando ya casi al final, el último apartado está destinado a las rarezas, y allí se encuentra, aguardando Hermafrodito justo frente a Gorgona, son dos iconologías de la Antigüedad Clásica que me apasionan y que siempre me han parecido de una gran belleza.
Escultura de Hermafrodito. S. II., reflejada en Gorgona siglo II - III.  Exposición "Mujeres en Roma" Caixa Forum Palma
La leyenda de Hermafrodito, hijo de Hermes y Afrodita (tampoco se rompieron la cabeza con el nombre, y es que lo simple siempre es eterno) nos la cuenta Ovidio en "Las metamorfosis": los dos dioses concibieron un niño de una belleza sin igual, Hermafrodito, cuando el niño llega a la pubertad decide marcharse a ver el mundo; consciente de su belleza llega a un lago, se desnuda y contempla su cuerpo, era el lago de la náyade Salmacis que quedó prendada de la belleza del chico y le propuso relaciones. Hermafrodito se negó, pero en un descuido, Salmacis lo agarró del cuello lo introdujo en el lago y se enroscó en torno suyo. Náyade suplicó a los dioses que no dejasen que se apartarse nunca de ella y los dioses se lo concedieron, tal y como cuenta Ovidio:
Jan Gosaert. 1520. Tabla. 32,8× 21,5 cm.Museo Boymans Van Beuningen.
Rotterdam
«mezclados, de los dos / los cuerpos se unieron y una faz se introduce en ellos / única» De manera que, cuando en un abrazo tenaz se unieron sus miembros, / ni dos son, sino su forma doble, ni que mujer decirse / ni que muchacho, pueda, y ni lo uno y lo otro, y también lo uno y lo otro, parece. / Así pues, cuando a él las fluentes ondas, adonde hombre había descendido, / ve que semihombre lo habían hecho, y que se ablandaron en ellas / sus miembros, sus manos tendiendo, pero ya no con voz viril, / el Hermafrodito dice: «Al nacido dad vuestro de regalos, / padre y también genetriz, que de ambos el nombre tiene, / que quien quiera que a estas fontanas hombre llegara, salga de ahí / semihombre y súbitamente se ablande, tocadas, en las aguas»
En Roma, al igual que en Grecia, el sexo era tratado con mayor naturalidad y muchos de nuestros prejuicios, culturales, religiosos, morales, que llegarán mucho después, no eran considerados en absoluto un problema.
Detalle Hermafrodita dormido, copia romana del II d.C. de un original griego del II a.C.
Restaurada por Bernini en 1620, Museo del Louvre, París
Una de las representaciones de Hermafrodito más conocidas en la historia del arte es "El hermafrodita dormido" de la colección Borghese que se encuentra en el Louvre. La estatua original fue descubierta cerca de las termas de Diocleciano alrededor de 1608, cuando se la mostraron al cardenal Borghese quedó tan impresionado por la belleza de la escutura que encargó a Bernini que le realizara un almohadón a la altura de la pieza, desde ese momento se convirtió en una de las piezas más admiradas de su colección. 
No es de extrañar que haya inspirado en diferentes aspectos otras obras de la historia del arte, por ejemplo, sabemos que Velázquez visitó esta colección cuando estuvo en su segundo viaje a Roma y se puede observar el parecido en la pose en la magnífica "Venus ante el espejo".
Diego VelázquezVenus del espejo (1647-1651), National Gallery, Londres
Sabemos que quedó fascinado con el hermafrodita porqué encargó una pieza en bronce para el Alcázar de Madrid a Matteo Bonnarelli, colaborador de Bernini, hoy la podemos ver en el Museo del Prado.

Hermafrodito. 1652. Matteo Bunoccelli. Museo del Prado

Escultura de Hermafrodito. S. II. Colección Borghese.
Museo del Louvre, París
La pieza que ha llegado a Palma con motivo de la exposición pertenece también a la misma colección, adquirida por el cardenal, pasó a manos de Napoleón, forma parte de las  400 obras que el Emperador compró al príncipe Camilo Borghese en 1807 por 13 millones de francos. Se dudó de su autenticidad hasta el año 2012, momento en que, a raíz de su restauración, se demostró que su procedencia era la Roma antigua. Es una pieza peculiar en extremo, ya que presenta una posición inusual, no tan solo para representar un hermafródita, sino para cualquier escultura, la postura se conoce como anasyrma, y es una provocación, evidentemente implica la exhibición, pero no tiene tanto una intención exhibicionista, como provocativa. Otra peculiaridad es que esta pieza estuvo escondida a los ojos del público en el Louvre.
Hermafródita dormido.
Copia del original romano.
Colección Despuig
Castell de Bellver
No son las únicas piezas que hacen referencia a esta temática, muchos han sido los que han quedado atrapados en la belleza de estas esculturas. En Palma, en el Castell de Bellver, dentro de la colección del cardenal Despuig, podemos admirar otra copia en miniatura del hermafrodita romano.
Hoy la podemos admirar en el Caixa Forum de Palma,  tal y como hicieron sus contemporaneos, sorprendidos, escandalizados, colocada frente a una Gorgona desesperada y bella, pero sin olvidar que las rarezas lo son más por desconocimiento que por virtud, nadie es igual al otro, en todo caso nos esforzamos por aparentar la aburrida cotidianidad.



viernes, 22 de julio de 2016

Tres maestros en Madrid: BOSCO; CARAVAGGIO; CAILLEBOTTE

Visitar Madrid siempre es una buena opción si se quiere disfrutar de una jornada cultural, en la segunda quinzena de julio con mayor motivo ya que van a confluir tres exposiciones interesantes, por una parte la ya renombrada exposición del Bosco, sólo esta exposición ya merece una visita a la capital, pero es que además en el Museo Thyssen confluirán Caravaggio y Caillebotte.


Esta semana tuve el placer de visitar la exposición de Caravaggio y los pintores del norte, lo primero que diré es que el Museo Thyssen en si mismo ya es una delicia, siempre me ha gustado porqué su colección está formada en su gran mayoría por esos cuadros que yo pondría en mi casa, quiero decir, no son las grandes obras de la historia del arte, aunque tiene unas cuantas dignas de mención, son obras que en su día el artista realizó para alguien, para personas particulares, unas más conocidas que otras, pero casi todas con una característica común: las querían para su disfrute personal, para deleitarse al pasar por delante, amantes del arte. Ya se que algunas fueron utilizadas como símbolo de poder o como demostración de estar a la moda, pero no dejan de ser obras asequibles que en su conjunto hacen de esta colección una de las más accesibles para el gran público.
Peter Paul Rubens. Siegen, 1577-Amberes, 1640
Cabeza de un joven, 1601-1602. Óleo sobre papel montado sobre tabla. 36,5 cm x 24,5 cm
Austin, Blanton Museum of Art, The University of Texas at Austin, The Suida-Manning Collection 1991 

En medio de todo esto las dos exposiciones temporales que van a confluir a partir del 19 de julio: Caravaggio y los pintores del norte y una exposición sobre Caillebotte, hacen la visita imprescindible. Por motivos de agenda yo ya he ido a ver la exposición de Caravaggio pero lamanetablemente no se si podré asistir a Caillebotte. 

Michelangelo Merisi Caravaggio Milán, 1571-Port'Ercole, 1610
El sacrificio de Isaac, 1603. Óleo sobre lienzo. 104 x 135 cm Florencia, Gallerie degli Uffizi 
La exposición de Caravaggio es una lección de anatomía, maneja perfectamente la carnalidad y convierte a los modelos representados en figuras tridimensionales, la iluminación de la exposición potencia ese efecto. Una de las cosas que siempre me ha llamado la atención son los ojos, ojos un tanto desproporcionados, grandes, con un brillo especial que miran directamente al espectador y lo hacen partícipe de la historia.
Fragmento: Michelangelo Merisi Caravaggio Milán, 1571-Port'Ercole, 1610
Santa Catalina de Alejandría, hacia 1598-1599Óleo sobre lienzo. 173 x 133 cm Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza 
En la exposición no sólo hay obras de Caravaggio, también de Peter Rubens, David de Hans, Nicolas Fournier, Matthias Stom y uno de mis favoritos Louis Finson. El recorrido es un viaje por la vida de Caravaggio, desde Roma hasta Nápoles, las obras han llegado desde diferentes partes del mundo, Nueva York, Florencia, San Petersburgo, Amsterdam o Roma. Sin duda una oportunidad para disfrutar de la progresión pictórica del maestro italiano.
Louis Finson. Brujas, antes de 1580 – Ámsterdam, 1617
Los cuatro elementos, 1611Óleo sobre lienzo. 179 x 169,2 cm Colección privada 

Gustave Caillebotte, aproximadamente a los treinta años (c. 1878).
Colección Privada.

Como ya he dicho, coincidiendo a partir del 19 de julio, otra excelente exposición: CAILLEBOTTE, pintor y jardinero, un interesante recorrido por la producción de este artista impresionista de peculiar mirada, sus cuadros presentan encuadres inusuales para la época y dejan entrever su faceta de jardinero, pero no fue la única, ya que también fue mecenas e impulsor del movimiento impresionista. 

En esta exposición podremos comprobar como además de mecenas fue artista con obras llegadas del Museo Giverny pero también de otros lugares del mundo y de colecciones particulares. 

Gustave Caillebotte. El boulevard visto desde arriba, 1880
Óleo sobre lienzo, 65x54 cm
Colección particular

Gustave Caillebotte. Balcón Boulevard Haussman, 1880.
Óleo sobre lienzo 69x62 cm.
Colección particular
Una oportunidad de acercarnos al impresionismo desde otro punto de vista, el de un artista que nunca creyó serlo del todo.

*Imágenes extraidas de la web del Museo Thyssen-Bornemisza

Más información: WEB DEL MUSEO THYSSEN
                             Unas palabras del comisario de la exposción de CARAVAGGIO
                             Quién es CAILLEBOTTE